Stop-Motion-Animation: So funktioniert die Filmtechnik mit Einzelbildern.

Geschichte.

Mit den Bildermengen, die sich heute per Digitalkamera und Smartphone schnell und einfach knipsen lassen, sind Stop-Motion-Animationen für alle machbar. In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts sah das noch ganz anders aus. Damals war die Kunstform denen vorbehalten, die das Geld und die Zeit für die mühevolle Kleinarbeit hatten, die solche Produktionen damals ausmachten.

Als erstes Werk dieses Genres gilt The Humpty Dumpty Circus von 1898. J. Stuart Blackton und Albert E. Smith verwendeten Kinderspielzeug, um die unbekannte Welt des Zirkuslebens zu zeigen – lange bevor Woody und Buzz auf der Animationsbühne erschienen.

Ein weiterer Pionier war Wladyslaw Starewicz, der in den 1910er- und 1920er-Jahren Furore machte. Bekannt ist vor allem Lucanas Cervus (lateinisch für „Hirschkäfer“). Handlungsträger des Films sind Insekten, die Starewicz von einem Tierpräparator herstellen ließ. Das Publikum war schockiert. Viele dachten, sie sähen dressierte Käfer, die auf ihren Hinterbeinen gehen und Haushaltsgegenstände umhertragen.https://culture.pl/en/article/the-father-of-stop-motion-animation-a-secret-polish-history

Willis O’Brien war 1933 der kreative Kopf hinter der Animation des ikonischen Riesenaffens King Kong. Seine Handwerkskunst hatte er aber zuvor schon 1925 mit Die verlorene Welt unter Beweis gestellt. Der Film basiert auf dem Roman „Die vergessene Welt“ von Arthur Conan Doyle. Er begleitet Forschende auf der Suche nach Dinosauriern, die noch unbemerkt über die Erde streifen, und enthält einige für die damalige Zeit spektakuläre Effekte.

O’Brien war auch der Mentor eines Mannes, der heute als Inbegriff für die damalige Ära der Spezialeffekte gilt. Fast im Alleingang schuf Ray Harryhausen die Spezialeffekte und Animationen für Filme wie „Panik in New York“ oder „Die Bestie aus dem Weltenraum“ und galt als Pionier der legendären Monster- und Science-Fiction-Filme der 1950er-Jahre. Auch spätere Werke wie „Sindbads gefährliche Abenteuer“ und Kampf der Titanen (1981) sind absolut sehenswert.

Mit fortschreitender Weiterentwicklung etablierte sich das Medium im Mainstream und hielt Einzug in Fernsehsendungen und Musikvideos. Für internationales Aufsehen in beiden Sparten sorgte Aardman Animations. Das Studio erschuf die Knetfigur Morph, die zunächst mit der britischen Fernsehlegende Tony Hart auftrat und später eine eigene Serie bekam. Das Team von Aardman steckte auch hinter dem Musikvideo zu Peter Gabriels Sledgehammer aus den 1980er-Jahren, das mit seiner rasanten Abfolge von Stop-Motion-Effekten zu den bedeutendster Vertretern dieses Genres zählt.

Eine Stop-Motion-Animation erstellen.

Im Gegensatz zu den frühen Pionieren der Kunstform braucht es heute keine teure Ausrüstung mehr, um eine Stop-Motion-Produktion aufzuziehen.

Voraussetzungen.

Für dein erstes, eigenes Minimeisterwerk brauchst du:

• Digitalkamera. Auch ein Smartphone erfüllt den Zweck. Je hochwertiger die Kamera, desto besser ist natürlich das Ergebnis.
• Stativ/Auflage. Wichtig ist, die Kamera so aufzustellen oder anzubringen, dass sie absolut stabil steht und nicht wackelt. Solche Vorrichtungen sind zum Glück nicht teuer.
• Bearbeitungs-Software. Auch hier reicht notfalls ein Smartphone. Du brauchst aber ein Videobearbeitungsprogramm, mit dem du deine Bilder in eine Reihenfolge bringen und in einer Datei zusammenfassen kannst.
• Objekte/Requisiten. Ob du aufwendige Kulissen à la Reiniger erstellst oder einfach ein paar Haushaltsgegenstände zum Leben erweckst, bleibt dir überlassen.

Stop-Motion-Aufnahmen erstellen.

Obwohl der Prozess relativ einfach ist, gibt es einige Dinge zu beachten, um schnell zu einem guten Ergebnis zu kommen.

1. Motive ausrichten. Achte darauf, einen Winkel zu wählen, der das Motiv perfekt zur Geltung bringt und keine unerwünschten Elemente enthält. Objekte, die sich nah am Bildrand bewegen oder ganz herausfallen, beeinträchtigen die Qualität des Endprodukts.
2. Beleuchtung anpassen. Wähle eine Umgebung, in der du das Licht voll unter Kontrolle hast. Für Aufnahmen zweidimensionaler Objekte könntest du die Szene z. B. unter einer Schreibtischlampe arrangieren. Änderungen an den Lichtverhältnissen ergeben ein uneinheitliches Bild im Gesamtfilm.
3. Wackelfreie Aufnahmen gewährleisten. Wenn möglich, sollte eine einmal eingerichtete Kamera bis zum Ende einer Sequenz nicht mehr angefasst werden. Verwende eine Fernbedienung oder einen Timer für die einzelnen Bilder der Sequenz, bis für einen anderen Winkel oder eine neue Szene die Kamera neu eingestellt werden muss.
4. Frame-Rate bestimmen. Wie lange soll ein Einzelbild in einer Aufnahme zu sehen sein? Für 24 Frames pro Sekunde brauchst du 24 Bilder – bei langsamen Momenten sind das weniger unterschiedliche Bilder, für schnellere Bewegungen sieht jedes der 24 Einzelbilder ein wenig anders aus.
5. Bearbeiten. Verschiebe deine Bilder in einen Sequencer, um sie direkt zu bearbeiten – oder übertrage das gesamte Paket am Ende der Aufnahmen. Nun kannst du Zeitraffer- und Zeitlupeneffekte anwenden und Ton und Musik hinzufügen.

• Bei der Objektanimation werden Alltagsgegenstände zum Leben erweckt. Hier muss also nichts vorab selbst angefertigt werden. Die weltweit erste Objektanimation war vermutlich „The Humpty Dumpty Circus“. Die Stars der Show waren Spielzeugtiere, die nicht speziell für das Projekt hergestellt wurden.

Bei der Knetanimation werden Figuren oder Objekte aus Knetmasse oder Ton modelliert und für jedes Bild einzeln bearbeitet. Die berühmtesten Vertreter dieser Technik sind die mehrfach Oscar-prämierten Käseliebhaber Wallace & Gromit und andere Produktionen von Aardman Animations sowie die amerikanischen Weihnachts-Specials von Rankin/Bass.

Bei der Pixilation wird dieselbe Technik auf Menschen angewendet. Die Darstellenden dürfen ihre Körperhaltung zwischen den einzelnen Bildern nur minimal verändern und haben danach vermutlich ziemlich verspannte Muskeln. Ein Beispiel für diese Technik ist das Video zum Song Latchmere, mit dem The Maccabees in der britischen Musikszene für Aufsehen sorgten.

Für Cutout-Motion werden zweidimensionale Objekte (meist aus Papier oder Pappe) ausgeschnitten und animiert. Die Pilotfolge der Erfolgsserie South Park wurde in Cutout-Motion-Technik erstellt – ein aufwendiger Prozess, den Mitschöpfer Matt Stone als „Hölle auf Erden“ bezeichnete. Zum Glück fanden sie im Laufe der Zeit zu einem einfacheren System.

Bei der Puppenanimation werden Puppen hergestellt und verändert, was einen ganz eigenen ästhetischen Charme bewirkt. Berühmtester Vertreter ist das Studio Laika, das Kinoerfolge wie Coraline und Kubo – Der tapfere Samurai produziert hat.

In der Silhouetten-Animation werden Schattenspiel und Cutout-Motion-Technik zu faszinierenden Geschichten kombiniert. Die ältesten Beispiele finden sich in europäischen Produktionen aus den 1920er-Jahren. Am berühmtesten dürften die Arbeiten von Lotte Reiniger sein, die im Laufe ihrer überaus produktiven Karriere mehr als 70 Märchen als Silhouetten-Filme animiert hat.

Häufig gestellte Fragen.