illustrator
Mula sa haute couture hanggang sa bohemian chic, ang fashion ay isang natatanging anyo ng art. Sundin ang step-by-step na gabay na ito para makagawa ng stylish na illustration na namumukod-tangi.
Kung nakikita mo kung ano ang uso at gusto mong linangin ang mga kakayahan mo sa fashion drawing, sundan ang mga sikat na artist tulad nina Meagan Morrison, Antonio Lopez, at David Downton at alamin ang paggawa fashion illustration. Hindi gaya ng fashion sketch, mas nakatuon ang fashion illustration sa figure na nagsusuot ng mga damit at hindi masyado sa isang partikular na damit o accessory. “Naglalayon itong maipakita and mood at personalidad ng itinatampok na figure,” ipinaliwanag ng fashion illustrator na si Bijoun Karman.
Makikita ang mga fashion illustration sa mga magazine, pampromosyong ad, at boutique bilang mga hiwalay na artwork. Bilang alternatibo, ginagamit ng mga fashion designer ang mga technical sketch na tinatawag na flats para maiparating ang ideya ng isang design sa isang patternmaker o fabricator. “Ang mga sketch ng teknikal na design sa industriya ng fashion ay karaniwang sumusunod sa mahihigpit na alituntunin, pero ang maganda sa illustration ay may kalayaan ang mga fashion artist na gumawa ng mga figure drawing at digital art na mas creative,” sabi ni Karman. “Pwede mo talagang gawin ang kahit ano.”
Ayon kay Karman, ang kailangan lang para masimulan ang isang likhang sining ay isang ideya: “Ang fashion illustration ay tungkol sa pagkuha ng inspirasyon mula sa bagay na ginawa ng iba at pagtingin dito sa sarili mong pananaw.” Kunin ang sketchbook mo at sundin ang step-by-step na gabay na ito para gawing natatangi ang illustration mo.
Kung iisipin mo ang kakaibang painterly style ng Italian artist na si Rene Gruau o ang mga detalyadong illustration ni Rihanna ng British designer na si Hayden Williams, may isang bagay na magkatulad sa kanila: isang katangi-tanging pananaw. Para malaman ang personal mong niche, pag-isipan ang dating na gusto mong gawin. “Pwedeng makatulong ang isang kapansin-pansin o mas graphic na interpretasyon ng character mo na bigyang-buhay ang artistic vision mo,” mungkahi ng fashion designer at illustrator na si Zoe Hong.
Para kay Karman, “palaging magandang pumili ng isang bagay na kakaiba, hindi pangkaraniwan, o kawili-wili dahil kung isa itong kilala at classical na subject (tulad ng isang babae sa isang Lester painting) hindi ito magiging nakakaengganyo tulad ng isang bagay na hindi pa nakikita ng mga tao noon.” At kung gusto mong magmukhang ginawa nang walang kahirap-hirap ang illustration mo, panatilihin itong simple. “Hindi dapat masyadong kumplikado ang subject,” ipinayo ni Karman. “Ayaw ko kapag masyadong maraming detalye ang isang gawa. Mas may dating kung simple lang.” Pwedeng maging simula ng isang magandang bagay ang isang babaeng figure na may suot na kamangha-manghang sumbrero, isang pares ng sapatos na may kumplikadong burda, o isang textured na t-shirt.
Sa fashion illustration, ang figure na iginuguhit mo ay karaniwang hinahati ayon sa laki ng ulo. “Ang kabuuang taas ng adult na tao ay karaniwang katumbas ng taas ng 7 hanggang 8 ulo. Ang mga fashion model ay karaniwang may taas na katumbas ng 8 hanggang 9 na ulo. Dinaragdagan pa iyon sa mga figure illustration sa fashion, kung saan gumagamit ng 9 hanggang 10 ulo, at umaabot pa sa 11 ulo para sa mga exaggerated na style,” sinabi ni Hong. Sa history ng fashion, ang 10 ulo na figure ang naging standard na pinahabang proportion para sa mga babaeng figure. Pero kinumpirma ni Hong na pwede pa ring hindi gawin ang nakasanayan: “Talagang nagsisimula na tayong tanggapin ang iba't ibang pangangatawan. Ang 8½ ulo na proportion ay mas makatotohanang haba ng katawan, at mas mukhang moderno sa panahon ngayon.”
Ituring ang pose ng figure mo bilang pundasyon ng design drawing mo. Ito ang magdidikta sa kung paano babagay ang mga garment sa form, na binibigyang-buhay ang iba't ibang fabric at silhouette na itinatampok. Una, paglaruan ang mga kurba at iba pang geometric na hugis para gumawa ng mga element ng katawan, at pagkatapos ay magsanay na mag-sketch ng iba't ibang pose para malaman kung alin-alin ang nagbibigay ng pinakamakatotohanang paggalaw sa hitsura ng character mo.
Nagbibigay-daan sa walang limitasyong creativity ang pag-iisip kung ano ang magiging hitsura ng mga damit sa figure mo. “Kung pipiliin kong gawing focal point ng aking gawa ang isang damit, kadalasan ay itatampok nito ang mga interesanteng proportion o isang magandang kumbinasyon ng kulay. Isa itong bagay na naiisip kong mailalagay ko sa papel, tulad ng pag-paint ng mga balahibo gamit ang isang partikular na brushstroke o paggaya sa chiffon na materyal sa pamamagitan ng paggamit ng mapusyaw na paint,” sinabi ni Karman. Palaging tandaan ang fabric na itinatampok mo at maging totoo sa texture at pattern nito parang bigyan ang fashion illustration mo ng makatotohanang style.
Kadalasang gumagamit ang mga illustrator ng mga drawing material para pumukaw ng mga partikular na mood. “Ang layunin ay maglagay ng enerhiya, flow, o personalidad na posibleng hindi naging bahagi ng vision ng mga orihinal designer,” sabi ni Karman. Ilagay ang sarili mong sensibility sa fashion illustration mo gamit ang lapis, charcoal, at mga paint material nang paisa-isa o sama-sama.
Matutulungan ka ng pencil sketching na gumawa ng mga shadow. transition, at tumpak na linya sa fashion illustration mo. At para sa mga illustrator tulad ni Karman, ito ang unang hakbang sa paglalagay sa papel ng art na nasa imahinasyon mo. “Madalas akong nagsisimula nang maliit sa Bristol paper, at magaan at mabilisan akong nagse-sketch mula sa isang reference image gamit ang lapis. At pagkatapos ay binabalikan at binubura ko ito nang kaunti para gawin itong mas mapusyaw bago gamitin ang susunod na material.” Pwede ring gamitin ang charcoal. Pwedeng maging mas loose at mas expressive ang mga charcoal illustration dahil mayroon itong mga dramatic na gradient at organic na linya.
Kadalasang gumagamit ang mga fashion illustrator ng marker. “Gamit ang marker, madaling nakakagawa ang artist ng iba't ibang texture at mabilis niyang naipapakita ang mga shadow at object nang mas natural,” sinabi ni Hong.
Gamit ang mga watercolor paint, pwede kang gumamit ng iba't ibang pigment para gumawa ng mga natural na pagkakaiba at transparency. “Ang pamamaraang ito ay magaan at maingat na nagpapakita ng malinaw na lalim. Isa ito sa mga pinakamadaling paraan para makagawa ng mga splash ng kulay na nagme-merge sa isa pang kulay,” sabi ni Hong. O maaari mong piliin ang gouache paint na nagbibigay ng mga mas maganda, makapal, at matingkad na shade para sa mas opaque na aesthetic.
Kapag natapos mo na ang design drawing mo sa papel, pwede mo itong i-scan at pwede kang gumamit ng digital drawing app gaya ng Adobe Fresco para gawin itong mas pulido. Ilabas ang natatago mong pagka-impressionist painter gamit ang mga watercolor brush at gumawa ng magagandang texture na nagbe-blend at nagbi-bleed gaya ng pisikal na paint. O gamitin ang mga vector brush para gumawa ng mga tumpak na linya na pwedeng ma-scale sa anumang laki.
Nagbabasa ka man ng Harper's Bazaar, nanonood ng New York Fashion Week, o kumukuha ng mga tip sa Parsons School of Design, maraming pagkakataon para kumuha ng inspirasyon para sa fashion drawing mo. Tularan ang mga propesyonal na fashion illustrator at subukang pag-eksperimentuhan ang iba't ibang paksa, damit, at material para mahanap ang personal mong style.
