Tipos de planos cinematográficos que debes conocer.

El plano maestro, en el que se graba en un solo plano toda la acción de una escena, se hace normalmente usando un plano general. Son tomas esenciales para la cobertura básica, ya que graban todo. Los editores pueden cortar una escena y saltar al plano maestro cuando hay pausas en la acción o en el diálogo.

Un plano que muestra dos sujetos se conoce como plano conjunto. Al capturar la interacción entre los personajes, la distancia que los separa y su lenguaje corporal, un plano conjunto puede darle mucha información al espectador sobre la relación que hay entre los personajes. “Nosotros solemos usar un plano conjunto para la mayor parte de la escena y luego un primer plano o un plano detalle para una frase clave o un detalle importante”, comenta Ruckus Skye.

Planos intermedios.
Un plano medio muestra al sujeto con más detalle, ya sea un plano medio largo (plano 3/4) o medio corto (por encima de los hombros). Un plano medio tradicional muestra al sujeto de cintura para arriba: la parte importante del sujeto y un poco del fondo. Un plano medio corto enseña al sujeto de hombros para arriba, lo que deja más espacio a las expresiones faciales del sujeto.

En la década de 1930, los cineastas estadounidenses empezaron a usar un estilo de plano medio conocido como plano americano, que mostraba a los vaqueros desde el sombrero hasta por encima de las rodillas para que veamos el cinto donde llevan las pistolas. Las películas actuales emplean el plano americano para mostrar el lenguaje corporal de un personaje y un poco de fondo a la vez que capturan las expresiones faciales. Por ejemplo, en Wonder Woman se usa un plano americano cuando Diana está cruzando el campo de batalla desviando las balas y sonriendo ante la sensación de su propio poder.

Un plano sobre el hombro es un tipo de plano conjunto que también puede ser un plano medio. Vemos en un primer plano la espalda de un personaje mientras que la cámara apunta y enfoca al otro, que está hablando o reaccionando con el primero. “Este es un ejemplo de plano subjetivo”, afirma el director y productor Neal Holman. “Estás sobre el hombro de un personaje en concreto para intentar reflejar su punto de vista en la escena”.

La visión importante no reside siempre en la persona que habla. Los planos de reacción son muy importantes para el desarrollo tanto de la historia como del personaje. “Uno de mis momentos favoritos de la interpretación es cuando los actores están escuchando”, comenta Ruckus Skye.

Planos cerrados.
En la técnica del primer plano, la cara del sujeto ocupa toda la pantalla. Sergio Leone, el director italiano, se hizo famoso en la década de los 60 por el primerísimo primer plano que usaba en sus películas de “spaghetti western”. Hoy en día, a este plano se le conoce como el plano italiano, en el que solo los ojos o la boca del personaje ocupan la pantalla, lo que intensifica la tensión en los momentos previos a una escena de violencia.

Los primeros planos ofrecen una intensa expresión de la emoción. “Cuanto más te acerques, más se identificará el público con el personaje”, afirma el director y cineasta David Andrew Stoler. “Si realmente quieres que sientan algo de manera intensa, tienes que acercarte mucho”.

Un movimiento de cámara tradicional es el avance. “Si quieres que el espectador empatice con el personaje o le entienda mejor, puedes acercarte a él, hacerle más grande en la pantalla”, señala Stoler. “Así pones a la misma altura a espectador y personaje”. Por el contrario, el retroceso resalta la soledad de un personaje. “Estás haciendo más grande el mundo a su alrededor y la distancia entre espectador y sujeto”, explica Stoler. Normalmente, para este tipo de movimientos de cámara se requerirá un dolly, un brazo mecánico o un Steadicam.

El plano detalle, o inserto, son primeros planos que muestran detalles pequeños, como las manos o los pies del sujeto. Si un personaje mira un mensaje en el teléfono, tal vez el director quiera un primer plano de la pantalla del teléfono. Lo contrario al inserto es el cambio de plano, que salta del sujeto a otra cosa; por ejemplo, de la cara sorprendida de un personaje a un perro ladrando o de un balón entrando a portería a los seguidores celebrando el gol desde la grada. Reunir planos como estos puede resultar útil para editar varias tomas de la misma escena.

Planos de punto de vista.
En un plano de punto de vista o POV, la cámara está dentro de la cabeza del personaje, metafóricamente hablando, y vemos el mundo a través de sus ojos. Al representar la perspectiva de un personaje, la cámara puede moverse hacia los mismos lados que el sujeto. Estos planos pueden ser intensos para el público y posiblemente provoquen mareos (piensa en el plano POV de una GoPro puesta en un casco). Sin embargo, también se emplean para narraciones impactantes, ya que capturan la inmediatez de las experiencias vividas.

Ángulos de la cámara y qué comunican.

El ángulo desde el que grabas y la distancia que hay de la cámara al suelo siempre deben elegirse a consciencia. El grabar a un sujeto desde arriba o desde abajo puede hacer que el público entienda el estado mental o el nivel de poder de un personaje comparado con los demás personajes de la escena.

Vista de pájaro.
Al enfocar desde arriba, este plano aéreo puede transmitir la pequeñez de los sujetos que están abajo o la grandiosidad del entorno.

El plano normal, el plano picado y el plano contrapicado.
El plano normal es el ángulo de la vida cotidiana. Este ángulo de la cámara no emite valoraciones morales y no tiene el mismo efecto narrativo que grabar a un sujeto desde arriba o desde abajo. Los Skye evitan el uso del plano normal. “No hay perspectiva”, opina Lane Skye. “Cuando grabas a un personaje desde arriba, se sienten más pequeños”, agrega Ruckus Skye. “Tal vez no se sientan tan seguros ni poderosos. Si miras a cualquier superhéroe, siempre los miras desde abajo. Es un cliché, pero puedes hacerlo a niveles más pequeños para que parezca más sutil”.

Emplea planos que funcionen visual y temáticamente.

Tanto si estás grabando un video musical como un anuncio o un documental, ten en cuenta la historia que estás contando. ¿Qué va a atraer al público y hacerles sentir lo que tú quieres que sientan?

Si no sabes qué tipo de plano emplear en una escena, el director de guion gráfico Kevin Mellon recomienda: “Puedes prepararte estudiando cine, cómics y animación y crear un arsenal de planos”. Cuando ya domines el vocabulario, la clave está en la planeación. “Es la única parte libre de la cinematografía”, dice Ruckus Skye.

La planeación, en este caso, se refiere a reflexionar en profundidad sobre el personaje y la trama, así como a elaborar una lista de tomas antes de empezar a grabar. Esta lista te ayudará a cerciorarte de que tienes la cobertura suficiente y te obligará a que te hagas las dos preguntas de oro: ¿desde qué punto de vista estás grabando y qué quieres hacerle sentir al público? Cuando sepas las respuestas a estas preguntas, controlarás la historia que quieres contar y sabrás qué planos te ayudarán a conseguirlo.