Een startershandleiding voor animatie: soorten, technieken en tutorials.

Kort gezegd verstaan we onder animatie het snel na elkaar filmen van opeenvolgende, zeer vergelijkbare statische beelden om de indruk van beweging te wekken.

Animatie is gebaseerd op een optische illusie, 'beeldpersistentie' genoemd. Onze ogen houden beelden gedurende een tiende van een seconde vast, dus wanneer we beelden sneller dan dat zien, voegt ons brein ze samen.

Om dit effect te creëren gebruiken animators meestal 12-24 afzonderlijke afbeeldingen voor elke seconde animatiefilm. Vóór de opkomst van digitale animatietechnieken werden deze vaak met de hand geschilderd of getekend op celluloid vellen (cels).

Dit was minutieus werk en producties met een groot budget huurden hiervoor een uitgebreid animatieteam in. The Lion King uit 1994 had bijvoorbeeld 600 animators en technici in dienst.

Tegenwoordig gebruiken de meeste animators digitale animatietechnieken, die minder inspanningen vergen, maar nog steeds veel kennis vereisen.

Is animatie hetzelfde als tekenfilms?

Tekenfilms zijn animatiefilms, vaak met een overdreven visuele stijl en gekke plot. Ze worden met animatietechnieken gemaakt, maar hebben een andere oorsprong dan andere animatiestijlen. Tekenfilms zijn terug te voeren tot de satirische illustraties in tijdschriften en kranten en de stripverhalen uit de 18de en 19de eeuw.

Is animatie hetzelfde als animatics?

Animatics zijn ruwe beeldsequenties die animators en regisseurs gebruiken om opnamen, timing en scènes te plannen. Ze zijn in feite een geanimeerd storyboard en worden veel gebruikt bij allerlei producties, van tekenfilms tot reclames.

Voor het maken van animatics filmden animators vroeger afzonderlijke tekeningen met een camera. Nu gebruiken ze veel vaker programma's als Adobe Illustrator of After Effects.

Is animatie hetzelfde als anime?

Anime is een Japanse animatiestijl. Het is een zeer divers medium, maar wordt vaak gekenmerkt door fantasierijke plots, bijzonder camerawerk en prachtige settings. Je ziet de klassieke anime-stijl in series als Pokémon of Studio Ghibli-films als Spirited Away.

De meeste vormen van animatie vallen in vijf subcategorieën. Laten we ze één voor één bekijken.

Stop-motionanimatie.

Bij stop-motionanimatie manoeuvreren animators hun objecten fysiek – in kleine stapjes – in de juiste positie om een gevoel van beweging te creëren. Voorbeelden van deze low-budget, maar zeer opvallende stijl zijn A Nightmare Before Christmas van Tim Burton en het vroege cutout-motionwerk van Matt Stone en Trey Parker.

2D-animatie.

Je kunt bewegende 2D-figuren zien in zoötropen – een van de eerste animatie-apparaten. Zoötropen imponeerden het Victoriaanse publiek met een serie beelden die na elkaar werden getoond via een roterende cilinder met sleuven. 2D-animatie wordt tegenwoordig vooral geassocieerd met bewegende vectorafbeeldingen die zijn gemaakt met Adobe Animate (voorheen Adobe Flash). Halverwege de jaren 2000 was flash-animatie een belangrijke factor in online tekenfilms en games.

Digitale animatie.

Digitale animatie vind je overal, van je favoriete videogames tot de nieuwste Pixar-kaskraker. Net als bij 2D-vectoranimatie worden figuren bij digitale animatie 'gerigd' met een techniek die meer in de buurt komt van poppenkast dan traditionele animatie.

Motion graphics.

Met motion graphics breng je tekst, logo's en andere statische ontwerpen tot leven. Je vindt ze in tv-reclames, instructievideo's en geanimeerde logo's.

Jarenlang de dominante animatievorm. Celanimatieteams creëerden duizenden aparte tekeningen op transparante plastic sheets, cels genoemd, voordat ze deze toepasten op een decor. Deze techniek is de drijvende kracht achter veel Disney-klassiekers zoals Bambi en De kleine zeemeermin. Celanimatie is uit de gratie sinds de jaren '90, maar velen herinneren zich de tijd van de celanimatie als een gouden tijdperk.

Al millennia lang worden bewegende beelden gebruikt voor het vertellen van verhalen. Plato's allegorie van de grot, waarin de emotionele verbintenis van mensen met schimmenspellen werd verkend, dateert al van 380 vóór Christus.

Er zijn allerlei hulpmiddelen en programma's die je helpen je eerste stappen als animator te zetten. Lees de volgende tips om te zien hoe je aan de slag kunt gaan.

Animatiesoftware.

Of je nu een ontluikende digitale-animatieartiest bent of een traditionele klei-animatiepurist: je hebt goede software nodig om te kunnen beginnen.

• Adobe Animate. De keuze bij uitstek voor web-, tv- en gamingontwerpen in 2D en 3D. Je begint heel eenvoudig met een krabbel en voordat je het weet, is je ontwerp een levend, pratend meesterwerkje geworden. Je leert hiermee alle kneepjes van het vak, van tweening en rigging tot sequencing.
• Adobe After Effects. Klaar voor een volgende stap? After Effects helpt je je creaties verder te verfraaien met visuele effecten, motion graphics en composities. Je kunt er prachtige animaties mee maken, van de credits in het begin tot de postproductie.
• Adobe Premiere Pro. Ben jij een stop-motionartiest? Premiere Pro is de plek om beelden te importeren en samen te voegen. Sequencing, bewerking en animatie, en dat allemaal op één plek.

Animatietutorials.

Klaar om animaties te maken? Onze wereldwijde creatieve community heeft allerlei fantastische hulpmiddelen voor je.

• Maak van een schets een animatie. Maak op je iPhone, iPad of Android-apparaat een vectorvorm en breng deze tot leven als animatie of animatic.
• Teken met het penseel. Gebruik het Penseel om artistieke en aantrekkelijke personages en objecten te tekenen. Experimenteer met voorinstellingen, verf en technieken als semi-transparante lagen.
• Gebruik de wizard Handelingen. Voeg zonder kennis van code interactiviteit toe aan je beelden. Leer aan de hand van de voorbeeldbestanden hoe je dit doet en pas de technieken vervolgens toe op je eigen ontwerp.

Carrière in animatie.

Werken als animator is voor velen van ons een droombaan. Maar hoe begin je? Met de volgende eenvoudige stappen helpen we je op weg om animaties te maken voor een baas, een freelance opdracht of gewoon voor de lol.

1. Steek er tijd in. Ook al ben je een natuurtalent op het gebied van animatie: je moet de tijd nemen om je vaardigheden te perfectioneren. Lees alles wat je kunt vinden over je onderwerp, met name theorieën als de 12 animatieprincipes. Laat je inspireren door bekende en minder bekende animators en verdiep je in onderwerpen buiten het directe veld. Als je iets weet over acteren, kun je bijvoorbeeld een vloeiender, natuurlijker personage creëren.
2. Volg cursussen. Maar heel weinig animators zijn volledig autodidactisch. Volgens het Amerikaanse Bureau of Labor Statistics heb je zelfs voor de meeste animatorbanen een bachelordiploma nodig. Of je nu wel of niet een opleiding volgt, enige vorm van training is nodig om de technieken en softwarevaardigheden te leren die je als animator nodig hebt.
3. Begin met creëren. Voorzien van software, nieuwe vaardigheden en inspiratie van docenten, deskundigen en collega's is het tijd om creatief te worden. Gebruik Adobe Animate om personages, sequenties en korte films te maken.
4. Maak een portfolio. Met een indrukwekkend portfolio bewijs je je vaardigheden als animator. Dit is je kans om aan te tonen hoe uniek je bent – en hoe jij verhalen, personages en objecten beter tot leven brengt dan je concurrenten. Doe vooral inspiratie op door andere creatieve portfolio's online te bekijken, zodat je weet hoe jouw portfolio kan opvallen. Adobe Express is een geweldige plaats om inspiratie op te doen en heel eenvoudig je bestanden in een sjabloon te slepen.
5. Doe ervaring op. Het is tijd om, gewapend met je portfolio, naam te maken. Benader animatie- en ontwerpstudio's of bied je aan bij animators als assistent.
6. Solliciteer. Met diploma's, ervaring en een portfolio heb je een goede uitgangspositie om een baan of freelance werk als animator te vinden. Zorg voor leuke, creatieve sollicitaties en wees geduldig. Er is veel concurrentie in de creatieve sector, maar met de juiste houding en vaardigheden kom je er wel.

Animatieproces.

Of je in een studio werkt, freelance opdrachten maakt of gewoon een hobbyist bent: het animatieproces volgt in alle gevallen een vergelijkbaar patroon. Laten we dat eens bekijken.

• Verhaal. Elke animatie moet een verhaal vertellen, of je film nu tien seconden of twee uur duurt. Dus bedenk als eerste je verhaal – hoe eenvoudig ook – en begin dan pas met de productie. Hierdoor creëer je een efficiëntere workflow en heb je een helder concept voor ogen. Bovendien spreekt je animatie hierdoor waarschijnlijk meer mensen aan.
• Script en conceptschetsen. Daarna is het tijd om je verhaal op papier (of het scherm) te zetten. Een script helpt je te ontdekken of het verhaal klopt. Met conceptschetsen kun je een consistente visuele stijl ontwikkelen.
• Storyboard en animatics. Een storyboard is essentieel voor het plannen van het tempo, het ritme en de look van je film. Daarna werk je het storyboard uit met een animatic. Dit is een geweldige manier om al vroeg een zeer ruwe indruk te krijgen hoe het verhaal eruit gaat zien.
• Animate. Breng vervolgens je personage tot leven. Begin met een referentievideo om de specifieke bewegingen van je personage vast te leggen. Maak vervolgens in je ontwerpsoftware keyframes die de essentie van de beweging weergeven. Maak daarna tussenbewegingen (en spline deze met je software), zodat de bewegingen vloeiender worden. Voeg daarna leven, details en imperfecties toe om je personage levensecht te maken. Volg de 12 basisanimatieprincipes voor een creatie die echt en karaktervol aanvoelt.
• Postproductie. Dit is de fase die essentieel is voor de ontwikkeling van de animatie. Het is de tijd voor de speciale effecten en belichtingstoverkunsten die je film nodig heeft om van het scherm af te spatten. Je moet ook je ontwerpen renderen om de data en stilstaande beelden van je film vast te leggen. Ook kleurcorrectie en -gradatie zijn essentieel om ervoor te zorgen dat elke shot aansluit op de vorige.
• Muziek. Tot slot is het tijd voor je soundtrack. Voeg muziek, geluidseffecten en dialoog toe om je animatie te voltooien.