CARATTERISTICHE dell’animazione
Da Biancaneve a South Park, da Monsters & Co. a Minecraft, l’animazione cattura l’immaginazione come poche altre tecniche sanno fare. Quasi tutti abbiamo un film animato preferito che ci porteremo dietro per sempre. I videogiochi hanno già da tempo varcato la soglia della cultura dominante. Sitcom come I Simpson riscuotono lo stesso clamore delle controparti con attori dal vivo.
Ma c’è di più nell’animazione rispetto all’intrattenimento. Oggigiorno, è più probabile che troverai animatori nei team di marketing piuttosto che negli studi di Hollywood. Durante la pandemia da Covid-19, si vedevano ogni giorno animazioni CGI sul virus al telegiornale. Secondo Bloomberg, il mercato dell’animazione globale è impostato per raggiungere 640 miliardi di dollari entro il 2030.
Quindi cosa comporta diventare animatore? In che modo è cambiata l’animazione? E aspetto ancora più importante: cos’è l’animazione?
In questo articolo, facciamo come Ariel che si immerge nelle profondità del mare.
In breve, animazione significa filmare una rapida successione di immagini statiche strettamente correlate per creare un’impressione di movimento.
Si basa su un’illusione ottica chiamata “persistenza della visione”. I nostri occhi trattengono le immagini solo per un decimo di secondo, quindi quando le vediamo apparire più rapidamente, il nostro cervello le unisce insieme.
Per creare questo effetto, quasi tutte le animazioni catturano 12-24 immagini singole per ogni secondo di film. Prima che le tecniche CGI diventassero dominanti, queste immagini venivano spesso dipinte a mano o disegnate su fogli di celluloide (cel).
Si trattava di un lavoro molto meticoloso e le produzioni con budget alti assumevano enormi team di animazione per farlo. Il Re Leone del 1994, ad esempio, impiegò 600 animatori e tecnici.
Oggi, gli animatori sono più inclini a usare tecniche CGI, che eliminano parte della manodopera dal processo; ma si tratta comunque di una tecnica altamente specialistica.
I cartoni sono film animati, che hanno spesso a che fare con uno stile visivo esagerato e trame divertenti. Sono realizzati usando tecniche di animazione ma hanno una storia diversa rispetto agli altri stili di animazione. Possono essere fatti risalire alle illustrazioni di riviste/giornali di satira e strisce comiche del XVIII e XIX secolo.
L’animatica consiste in sequenze grezze di immagini usate per aiutare gli animatori e i registi a pianificare scatti, tempistiche e scene. Si tratta sostanzialmente di storyboard animati, usati comunemente in qualsiasi settore, dai cartoni alla pubblicità.
Per realizzare un’animatica, gli animatori filmavano in genere singoli disegni con una videocamera. Oggi useranno più probabilmente programmi come Adobe Illustrator o After Effects.
L’anime è uno stile di animazione giapponese. È un mezzo molto diverso ma si caratterizza per le sue trame fantasiose, il lavoro di telecamera e le ambientazioni stupefacenti. Il classico stile dell’anime si trova in serie come Pokémon o nei film dello Studio Ghibli come La città incantata.
Per creare l’animazione in stop motion, gli animatori manipolano fisicamente oggetti in incrementi minimi per creare l’impressione del movimento. Esempi di questo stile a basso budget ma altamente distintivo includono Nightmare before Christmas di Tim Burton o il primo lavoro di cutout-motion di Matt Stone e Trey Parker.
Puoi trovare figure 2D in movimento in macchine zootropio, uno dei primissimi dispositivi dell’animazione. Le macchine zootropio stupivano il pubblico vittoriano con una serie di immagini in sequenza all’interno di un cilindro rotante a stecche. Oggi, l’animazione 2D è comunemente associata a immagini vettoriali in movimento create usando Adobe Animate (formalmente Adobe Flash). L’animazione flash era un pilastro dei cartoni e dei videogiochi online di metà anni 2000.
L’animazione CGI si trova ovunque: dai tuoi videogame preferiti all’ultimo grande successo della Pixar. Come l’animazione vettoriale 2D, gli artisti CGI “allestiscono” i loro personaggi con una serie di movimenti chiave in una tecnica più vicina allo spettacolo di burattini che non all’animazione tradizionale.
La grafica animata dà vita a testo, loghi e altre progettazioni statiche. La grafica animata si trova nelle pubblicità TV, nei video esplicativi e nei loghi animati.
Nel XVII secolo, i proiettori con lanterna magica presentavano al pubblico figure in movimento su sfondi statici. Due secoli dopo, i dispositivi zootropio e fenachistiscopio crearono una serie di immagini che cambiavano rapidamente per suggerire il movimento, forse per la prima volta.
Nei primi anni del XX secolo, i registi sfruttarono la tecnologia delle videocamere per creare animazioni da disegni a mano e tecniche stop motion. Fantasmagorie di Emile Cohl nel 1908 è uno dei lavori migliori dell’epoca. Sei anni dopo, Earl Hurd creò l’animazione rodovetro, la tecnica di animazione che dominò per i sette decenni successivi.
Steamboat Willie della Walt Disney, la prima uscita per Mickey Mouse, risale al 1928. Fu l’inizio di un’età dell’oro dell’animazione. Gli anni ‘30 videro il lancio dei personaggi Disney, da Pippo a Paperino, nonché le creazioni Looney Tunes della Warner Bros come Bugs Bunny. Entro i tre decenni successivi, la Disney lanciò i classici delle immagini in movimento, da Biancaneve e i sette nani a Il libro della giungla. Negli anni ‘60 e ‘70, animatori della controcultura, burattinai e artisti dello stop motion portarono tecniche non comuni a un pubblico di massa. Le sequenze anarchiche di Terry Gillam in Monty Python’s Flying Circus offuscò la linea tra cutout e collage. Altrove nel Regno Unito, le creazioni in stop motion di Oliver Postgate come Clangers affascinarono gli spettatori con un mondo gentile di creature simili a topi che vivevano sulla luna, parlavano bisbigliando e mangiavano solo zuppa.
L’animazione rodovetro rimase dominante negli anni ‘80. Rientrano i film dello Studio Ghibli, come Il mio vicino Totoro, che fece breccia tra il pubblico occidentale. Ma alla fine del decennio, i progressi nell’informatica portarono la Disney ad adottare tecniche digitali in produzioni come Bianca e Bernie nella terra dei canguri.
Nel frattempo, i cortometraggi CGI della Pixar come Luxo Junior guadagnavano popolarità insieme all’ascesa dei videogiochi 3D in Giappone. Il primo lungometraggio della Pixar, Toy Story del 1995, venne rilasciato con plauso della critica e del mercato. Era iniziata l’era della CGI.
Sia che tu sia alle prime armi con l’animazione CGI o purista della claymation OG, avrai bisogno di un bel software affidabile per iniziare.
Vuoi cominciare con qualche esercizio di animazione? Abbiamo una varietà di fantastiche risorse in tuo aiuto dalla nostra comunità creativa globale.
L’animazione è il lavoro dei sogni per molti di noi. Ma come si fa a iniziare? Questi semplici passaggi possono metterti sulla strada giusta verso un ruolo in-house, come freelance o solo per apprendere le abilità necessarie per la creazione per puro divertimento.
Sia che ti occupi di animazione in uno studio, come freelance creativo o sei semplicemente un appassionato, vedrai che il processo di creazione di un’animazione segue uno schema simile. Andiamo a verificare.
Rispondi a queste domande per capire quale è l'app Creative Cloud più adatta a te.
Based on your location, we think you may prefer the United States website, where you'll get regional content, offerings, and pricing.
