CARATTERISTICHE dell’animazione
Le pose chiave sono il fondamento per creare un’animazione fluida. Sapere come spostare i personaggi e i materiali nella pagina è una parte fondamentale del processo di animazione. Ottieni aiuto dalla nostra guida per dare vita ai personaggi creando e animando le pose chiave.
In animazione, la posa chiave è un fotogramma usato per indicare i movimenti importanti che avvengono entro una particolare sequenza. Vengono usate per aiutare gli animatori a immaginarsi come i tanti aspetti diversi di una scena devono essere animati, con fotogrammi e tempi unici.
Per esempio, nell’animare un personaggio che sta alzando una mano, le pose chiave illustreranno il braccio lungo il fianco, alla fine del movimento, e in qualche punto intermedio. Gli animatori considerano ogni posa chiave come punto di riferimento per immaginarsi il resto dei movimenti intermedi.
Anche se una posa chiave è sostanzialmente un fotogramma di animazione, i fotogrammi chiave sono leggermente diversi, nel senso che hanno a che fare con transizioni più generali che non sono soltanto movimenti di materiale o pose di azione dei personaggi sullo schermo. I fotogrammi chiave possono essere segnali audio o altri segnali visivi non correlati all’animazione.
Una posa chiave è una parte essenziale di una sequenza di animazione. Senza la guida delle pose chiave, un animatore avrà difficoltà a trasmettere all’osservatore la logica in un movimento o un’espressione.
Pensala come alla differenza tra lavorare con e senza un copione: gli attori possono improvvisare una scena ma ci sono buone possibilità che la storia si discosti abbondantemente dalla concezione iniziale. Anche gli attori provetti dell’improvvisazione si servono di “battute” sulla storia o frasi chiave a cui fare riferimento. Gli animatori hanno quindi bisogno della stessa guida quando animano una scena per non deviare dal percorso stabilito.
Continua a scoprirlo leggendo la guida sull’animazione per principianti.
Prendiamo in esame alcuni esempi di pose chiave per spiegarne l’importanza.
Ciascuna delle tre diverse immagini in alto mostra una palla in vari stati. Prese insieme, riesci a immaginare in modo distinto che mostrano il ciclo del rimbalzo della palla sulla superficie.
Queste pose chiave mostrano le diverse espressioni e variazioni della forma che la palla assume rimbalzando sul pavimento. Senza una di esse, probabilmente non sapresti che l’intento dell’animazione è quello di mostrare la palla che rimbalza.
Gli animatori hanno bisogno delle pose chiave in modo da poter afferrare l’intera gamma di movimento ed espressione che oggetti e personaggi assumeranno prima di procedere ad animare una sequenza intera.
Una manifestazione più sottile di movimento, come l’espressione facciale di un personaggio, necessita inoltre di una selezione molto ricca di pose chiave. Un personaggio che sta registrando una gamma di emozioni diverse avrà bisogno di una chiara definizione per ciascuna.
Se un personaggio, come l’uomo in alto, si sente in conflitto su una decisione che deve prendere, o reagisce in modo strano a qualcosa, ti servirà una posa chiave per esprimere ogni stadio di questa lotta interiore. Altrimenti, rischi di non trasmettere l’impatto emotivo, che potrebbe infine confondere il senso della storia.
Creare pose chiave è il miglior modo per garantire che movimento ed espressione siano stati analizzati appieno prima di procedere con il processo dell’animazione delle sequenze intermedie.
Detto ciò, c’è un altro approccio all’animazione che si adatta a uno stile più sperimentale.
Esistono due approcci opposti per l’animazione con pose chiave: uno si basa su di esse per arricchire una sequenza e l’altro punta ad avere una forma un po’ più libera rispetto alle indicazioni della posa chiave iniziale. Vediamo come questi due approcci differiscono e quando è meglio usare l’uno piuttosto che l’altro.
L’animazione per pose si basa in genere sul processo delineato prima in cui a un animatore viene richiesto di creare le pose chiave della scena o i ritmi chiave della storia. Una volta mappata la sequenza con le pose chiave desiderate, il team si occupa di riempire i vuoti con i cosiddetti “in-between” (disegni intermedi). Nei team più grandi, potrebbe trattarsi di un lavoro per animatori junior.
L’animazione per posa è utilizzata al meglio in situazioni che richiedono uno storyboarding più fluido e strutturato. La tempistica è fondamentale nell’animazione per posa. Significa che gli animatori possono creare il numero richiesto di fotogrammi per effettuare abbastanza fluidamente le varie transizioni. Creando le pose chiave dall’inizio alla fine, gli animatori hanno più controllo sul contenuto degli “in-between” o “tween” che compongono la sequenza, in termini di ritmo e creatività.
Le interruzioni sono una sapiente combinazione di pose chiave e in-between, perché aiutano a rompere l’azione tra pose chiave A e B, aggiungendo un passaggio ulteriore all’insieme. In una sequenza che raffigura un personaggio che cammina dalla sinistra dello schermo verso destra:
Come per l’animazione per posa, l’animazione con azione diretta usa una posa chiave per indicare il punto di partenza di una sequenza. A differenza dell’animazione per posa, c’è soltanto una posa chiave iniziale prima che l’animatore vada avanti con il resto della sequenza, senza i supporti. Gli in-between non vengono usati perché non ci sono altre pose chiave con cui sincronizzare l’azione.
L’animazione con azione diretta si adatta bene a uno stile più sperimentale. Senza l’arco proiettato dell’animazione per posa, le immagini, così come sono sviluppate, possono assumere un significato molto più libero anche di una sequenza secondo copione. All’interno di una storia, alcuni animatori preferiscono usare l’animazione con azione diretta per raffigurare una sequenza con forma libera che viene tagliata fuori dal resto del flusso più stretto di un progetto.
Woolie Reitherman, uno dei Nine Old Men presso la Walt Disney Productions negli anni ‘60 e ‘70, afferma che la tecnica gli è stata utile. “Quando non sapevo cosa sarebbe successo in un’azione, ho proceduto sempre con azione diretta… per me è divertente. Scopri qualcosa che non scopriresti in altro modo”.1
La nota rappresentazione della lotta tra due personaggi sullo schermo (una nuvola contiene pugni che volano mentre fluttua su uno sfondo) tende a restringersi ed espandersi mentre procede.
Fino a quando la battaglia non è finita e non si vede un chiaro vincitore (e un perdente) alla fine, la nuvola della lotta è un esempio ottimale di evento con azione diretta che non deve selezionare le pose chiave. Ecco perché la dimensione e persino il colore tendono a variare, senza che le pose chiave aderiscano in modo strutturale, un’animazione con azione diretta perde di coerenza mentre va avanti e può cambiare la forma apparentemente quando vuole.
Entrambe le tecniche hanno i loro vantaggi e svantaggi quando si tratta del processo, nonché dell’aspetto finito.
Continua a scoprirlo leggendo la guida sull’animazione per principianti.
Le pose intermedie sono fotogrammi inseriti tra pose chiave per far avanzare il movimento di un oggetto dal punto A al punto B. Potrebbero sembrare meno importanti delle pose chiave, ma invece compongono la gran parte di una sequenza e sono considerate meno nel contesto solo perché non fanno avanzare direttamente la storia.
Schiacciare ed estendere è una tecnica usata per ricavare la flessibilità naturale e ridurre la rigidità nel movimento. Ha lo scopo di esagerare una forma e farla sembrare più caricaturale, pur rimanendo nei limiti del realistico. Un personaggio che si piega sulle ginocchia per saltare potrebbe schiacciarsi ed estendersi di più di quanto non facciano le persone nella realtà mentre saltano, ma l’effetto aggiunge fluidità e dinamismo al movimento.
Il termine venne coniato da Johnston e Thomas mentre esaminavano la storia dell’animazione Disney per un libro del 1981. Il libro condensa questa ricca linea di lavoro in 12 principi sottostanti (incluso il confronto tra animazione per pose e azione diretta) e ne discute gli aspetti più interessanti.
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