FUNCIONALIDADES de la animación
Desde “Blancanieves” hasta “South Park”, pasando por “Monstruos SA” o “Minecraft”, pocas cosas hay que capten la imaginación tanto como la animación. Casi todos tenemos una película animada favorita que forma parte de nuestro bagaje. Hace tiempo que los videojuegos se incorporaron a la cultura general. Las comedias de situación como “Los Simpsons” gozan de tanto prestigio como sus homólogas de acción real.
Pero la animación no es solo entretenimiento. En la actualidad, es tan probable que haya animadores en los equipos de marketing como en los estudios de Hollywood. Durante la pandemia de la COVID-19 aparecían animaciones con CGI del virus en todos los programas de noticias. Según Bloomberg, las previsiones del mercado mundial de la animación indican que alcanzará los 640 000 millones de USD en 2030.
¿En qué consiste ser animador? ¿Cómo ha cambiado la animación? Y, tal vez lo más importante: ¿qué es la animación?
En este artículo, nos sumergimos en las profundidades de la animación como la sirenita Ariel.
En pocas palabras, la animación consiste en filmar una sucesión rápida de imágenes estáticas estrechamente interrelacionadas para crear la impresión de movimiento.
Se basa en una ilusión óptica que se denomina “persistencia retiniana”. Nuestra vista solamente retiene las imágenes durante una décima de segundo. Por eso, cuando aparecen a mayor velocidad, nuestro cerebro las fusiona entre sí.
Para crear este efecto, en la mayoría de las animaciones se utilizan entre 12 y 24 imágenes individuales por cada segundo de filmación. Antes de que las técnicas de CGI se convirtieran en la tecnología dominante, estas imágenes se solían pintar a mano o dibujar en hojas de celuloide.
Era una labor sumamente ardua y en las producciones de alto presupuesto se contrataba a equipos muy numerosos de animadores para llevarla a cabo. Por ejemplo, en “El Rey León” de 1994, se empleó a 600 personas entre animadores y técnicos.
En la actualidad, es más habitual que los animadores utilicen técnicas de CGI. Si bien esto hace que el trabajo del proceso sea menos laborioso, sigue siendo una técnica altamente especializada.
Los dibujos animados son películas animadas, que a menudo utilizan un estilo visual exagerado y líneas argumentales extravagantes. Si bien se crean mediante técnicas de animación, su historia se diferencia claramente de la de otros estilos de animación. Su origen se remonta a las ilustraciones y las tiras cómicas de las revistas satíricas y los periódicos de los siglos XVIII y XIX.
Una animática es una secuencia de imágenes en borrador que se utiliza para ayudar a los animadores y directores a planificar las tomas, los tiempos y las escenas. En esencia, se trata de un guion gráfico animado que se utiliza con frecuencia en diversos contextos, desde dibujos animados hasta anuncios.
Para crear una animática, históricamente los animadores solían filmar dibujos individuales con una cámara. En la actualidad, es más habitual usar programas como Adobe Illustrator o After Effects.
El anime es un estilo japonés de animación. Se trata de un medio sumamente diverso, aunque se caracteriza a menudo por el uso de argumentos muy imaginativos, un trabajo inconfundible con la cámara y escenarios de gran belleza. Puedes ver el estilo de anime clásico en series como “Pokémon” o en películas de Studio Ghibli como “El viaje de Chihiro”.
Para crear la animación stop motion, también conocida como "animación de fotogramas" y "animación en volumen", los animadores manipulan objetos físicamente en incrementos minúsculos para crear la impresión de movimiento. Ejemplos de este estilo de bajo presupuesto tan inconfundible incluyen “Pesadilla antes de Navidad” de Tim Burton o los primeros trabajos de animación de recortes (o “cutout motion”) de Matt Stone y Trey Parker.
Podemos ver figuras en 2D en movimiento en los zoótropos, uno de los primeros mecanismos de animación utilizados. Los zoótropos cautivaron al público victoriano con sus secuencias de imágenes que se veían dentro de un cilindro giratorio con ranuras a intervalos regulares. En la actualidad, la animación en 2D se asocia habitualmente a las imágenes vectoriales en movimiento que se crean con Adobe Animate (antes Adobe Flash). La animación flash fue la predominante en los dibujos animados y videojuegos online de mediados de la década de 2000.
Encontrarás la animación con CGI en todo tipo de materiales, desde tus videojuegos favoritos hasta el último éxito de Pixar. Al igual que la animación vectorial en 2D, los artistas de CGI dotan a sus personajes de un conjunto de movimientos clave utilizando una técnica que se parece más al arte del manejo de marionetas que a la animación tradicional.
Los gráficos animados hacen que cobren vida elementos como textos, logotipos y otros diseños estáticos. Se pueden ver en anuncios televisivos, vídeos explicativos o logotipos animados.
En el siglo XVII, las linternas mágicas presentaban al público figuras en movimiento sobre fondos estáticos. Dos siglos después, el zoótropo y el fenaquitoscopio creaban series de imágenes que cambiaban con rapidez para sugerir movimiento, seguramente por primera vez.
A principios del siglo XX, los cineastas utilizaban la tecnología de las cámaras para crear animaciones a partir de dibujos hechos a mano y con técnicas de stop motion. La película “Fantasmagorie” creada por Emile Cohl en 1908 es una de las obras más conocidas de aquella época. Seis años después, Earl Hurd creó la animación en celuloide, que sería la técnica dominante en las siete décadas siguientes.
“Steamboat Willie” de Walt Disney, la primera película del Ratón Mickey que se distribuyó, se estrenó en 1928. Fue el inicio de una edad de oro de la animación. En la década de 1930, aparecieron diversos personajes de Disney, como Goofy o el Pato Donald, así como creaciones de la Warner Bros para la serie “Looney Tunes”, como Bugs Bunny. Durante las tres décadas siguientes, Disney lanzó numerosos clásicos cinematográficos, desde “Blancanieves y los siete enanitos” hasta el “Libro de la Selva”. En las décadas de 1960 y 1970, animadores, titiriteros y artistas de la animación stop motion contraculturales hicieron llegar sus técnicas no convencionales al público general. Las secuencias anárquicas de Terry Gilliam en la serie británica “Monty Python’s Flying Circus” difuminaron las líneas entre la animación de recortes y el collage. También en el Reino Unido, las creaciones de stop motion de Oliver Postgate como “The Clangers” cautivaron a los espectadores con un simpático mundo de criaturas semejantes a ratones que vivían en la Luna, hablaban en silbidos y solo comían sopa.
La animación en celuloide siguió siendo la técnica predominante hasta la década de 1980. Fue entonces cuando películas de Studio Ghibli como “Mi vecino Totoro” llegaron al público occidental. Sin embargo, a finales de esa década, los avances en la tecnología informática llevaron a Disney a adoptar las técnicas digitales en producciones como “Los rescatadores en Cangurolandia”.
Entretanto, los cortometrajes de Pixar realizados con CGI, como “Luxo Jr.”, adquirían popularidad a la par que aumentaba el auge de los videojuegos en 3D en Japón. El primer largometraje de Pixar, "Toy Story", se publicó en 1995 y fue un éxito rotundo tanto comercial como de crítica. Había comenzado la era de la tecnología CGI.
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