Die passende Verbindung: Match Cuts.
Lerne, wie du mit dieser Technik zur Videobearbeitung ästhetische Übergänge zu deiner nächsten Szene schaffst.
Was ist ein Match Cut?
Ein Match Cut ist in der Kinematografie eine Bearbeitung, die Elemente aus einer Szene beim Übergang zur nächsten Szene verwendet. Ziel ist es, eine optische Verknüpfung unterschiedlicher Szenen zu schaffen, die an sich nicht zusammenhängen, wie zum Beispiel Szenen, die sich an verschiedenen Orten abspielen, indem man eine zweite Kameraeinstellung hat, die – in irgendeiner Form – die erste spiegelt.
Match Cuts sind eine beliebte Technik bei der Bearbeitung von Filmen und Videos. Zu herausragenden Beispielen für Match Cuts gehören Kameraeinstellungen aus Filmen wie Citizen Kane, Lawrence von Arabien, Stanley Kubricks 2001: Odyssee im Weltraum, und Alfred Hitchcocks Psycho.
„Das ist hilfreich, wenn du etwas in einer Aufnahme machst und weißt, dass deine nächste Aufnahme etwas in derselben Richtung oder dieselbe Position im Einzelbild enthalten wird wie die vorherige“, sagt Videofilmer Nick Cann. „Der Übergang wird dann sehr weich aussehen. Für den Zuschauer sehr angenehm, weil alles reibungslos zu fließen scheint.“
Ein Match Cut kann nicht nur bei Bewegung eingesetzt werden. Er kann auch verwendet werden, um das Vergehen der Zeit zu zeigen, wie beispielsweise in einer Montage. Oder er kann verwendet werden, um ähnliche Formen mit derselben Einzelbildkomposition zu verbinden, wie einen Fernseher, der in ein Fenster in der nächsten Szene übergeht.
Finde deine Übereinstimmung.
In der Filmherstellung werden drei verschiedene Arten von Match Cuts eingesetzt:
Grafische Match Cuts
Auch als visueller Match Cut bekannt. Diese Übergänge verbinden zwei unterschiedliche Szenen mit ähnlichen optischen Stilen anhand von Farben, Formen oder Mustern.
„Wenn ein Ball auf den Bildschirm zukommt, würde er das Einzelbild ausfüllen und die nächste Aufnahme müsste etwas sein, das einem Reifen ähnelt“, sagt Cann. „Obwohl es zwei völlig verschiedene Szenen sind, ist es etwas mit sehr ähnlicher Form, das sich in dieselbe Richtung bewegt, und es ist sehr zufriedenstellend, wenn du es siehst, weil die Komposition des Einzelbilds fast genau dieselbe ist.“
Auch wenn die Objekte nicht genau gleich sind, kann ein Match Cut zwischen zwei unterschiedlichen Dingen einen hohen Symbolgehalt haben. Die berühmten Nahaufnahmen von Marions leblosen Augen und das Wasser, das im Strudel den Abfluss umkreist in der Duschszene in Psycho, sind ein tolles Beispiel für einen Match Cut.
Match Cut auf Handlungsebene
Diese Schnitte erzielt man, wenn zwei aufeinanderfolgende Szenen über eine vergleichbare Bewegung verknüpft werden. Für gewöhnlich werden sie zwischen Aufnahmen innerhalb einer Szene verwendet, wie in einer Kampfszene, um die Spannung noch mehr zu steigern. Eines der berühmtesten Beispiele für einen Match Cut auf Handlungsebene ist in 2001: Odyssee im Weltraum, wo ein Affe einen Knochen in die Luft wirft. Die nächste Aufnahme zeigt ein Raumschiff mit der gleichen Form, was den Fortschritt der Menschheit und das Vergehen der Zeit zwischen zwei Szenen mit einem Übergang bildlich darstellt.
Match Cut des Tons
Bei dieser Bearbeitung, die auch Tonbrücke genannt wird, werden auf beiden Seiten des Übergangs zusammenpassende Sound-Effekte verwendet – ein einziger gemeinsamer Ton zwischen zwei Szenen. Es gibt zwei gebräuchliche Übergänge beim Ton: der J-Schnitt und der L-Schnitt. Bei einem J-Schnitt wird der Ton der ersten Szene in der nächsten verwendet. Bei einem L-Schnitt ist das Audio der zweiten Szene zu hören, noch bevor die Bilder erscheinen. „Es ist eine sehr raffinierte Art, mit deiner Story fortzufahren, ohne zu energisch zu sein“, sagt Cann.
Ein klarer Plan für den Schnitt.
Überlege bei der Vorproduktion, welche Art von Match Cut die Stimmung deines Filmmaterials verstärken wird. Sieh dir verschiedene Match Cuts anderer Filmemacher an und schreibe auf, was dich anspricht. Verwende es dann als Inspiration für deine Arbeit. Sorge dafür, ein Storyboard von deinen Ideen zu erstellen, und mache zuerst eine Liste der Einstellungen nach Drehorten geordnet, eine Shotlist, um die Bearbeitung bei der Postproduktion zu erleichtern.
„Ohne eine nach Drehorten geordnete Liste der Einstellungen kommst du durcheinander, wenn du mit den realen Filmaufnahmen anfängst, und es wird nicht so laufen, wie du es dir erhofft hast“, konstatiert Cann. „Erstelle also ein Storyboard, schreibe deine Shotlist, stelle sicher, dass du weißt, in welche Richtung die Geschichte sich entwickelt oder welches Thema das Einzelbild haben wird, das du abgleichen möchtest, und im nächsten Schnitt machst du eine Notiz dazu, damit sie ähnlich aussehen.“
Bringe deine Produktionen auf das nächste Level.
Wenn es Zeit für die Bearbeitung ist, lasse Adobe Premiere Pro deine Arbeit so scharf wie möglich machen. Szenenbearbeitungs-Erkennung erkennt schnell automatisch mögliche Video-Schnitte für dein Filmmaterial und macht es noch einfacher, deine Anpassungen und Änderungen einzufügen.
Spare bei deiner Tonbrücke Zeit mit Adobe Stock, das eine große Auswahl an Sound-Effekten bietet, die alle innerhalb des Bedienfelds Essential Sound suchbar sind, in der Vorschau angehört, lizenziert und heruntergeladen werden können.
Die besten Tools können dir dabei helfen, ästhetische Effekte wie Match Cuts einzusetzen, um deine Filme und Videos auf ein höheres Niveau zu bringen.
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