Cómo crear y dibujar cómics

Para tener éxito como diseñador de cómics, tanto si tu objetivo es ser diseñador de cómics de superhéroes o diseñador de novelas gráficas independientes, debes saber cómo contar una historia en imágenes individuales.

¿Cómo empezaste a dibujar cómics?

Los cómics son una forma comercial de arte narrativo. El campo abarca géneros y estilos muy diferentes, de las viñetas tradicionales de superhéroes del cocreador de Spider-Man Steve Ditko a la historia autobiográfica para adolescentes de Raina Telgemeier ¡Sonríe!, pasando por el arte con tinta de Goseki Kojima en el manga El lobo solitario y su cachorro. Lo que unifica a todos los cómics es que se cuenta una historia colocando una imagen tras otra, por lo que el término “narración secuencial” se emplea bastante en este campo. Incluso si tu objetivo es dibujar ilustraciones de portada para cómics, conocer los principios de la narración de un buen cómic es esencial para desarrollar tus habilidades a la hora de perseguir una carrera en este competitivo sector.

Lo básico antes que Batman.

“Los cómics se pueden desglosar en tres pilares diferentes que puedes estudiar”, explica el artista de cómics y profesor Phillip Sevy. “La anatomía humana, la perspectiva y la narración visual”. Antes de ni siquiera intentar presentar tu trabajo a grandes editoriales de cómics como Marvel y DC Comics, debes perfeccionar tus habilidades en estos pilares.

Las clases de dibujo de figuras y dibujo natural son una forma fantástica de mejorar tu habilidad en el dibujo de anatomía humana, una habilidad que cobra importancia cuando puede que el guion te exija dibujar a personas volando, tropezándose, corriendo o simplemente hablando. A pesar de que los cómics pueden incluir figuras con un físico exagerado, como el arte tradicional del cocreador de Capitán América Jack Kirby, dominar a la perfección las proporciones sigue siendo esencial y es algo que los editores encargados de la contratación examinarán en tu trabajo.

Los artistas de cómics también deben ser capaces de dibujar las calles de la ciudad, salas de interrogatorios, e incluso estaciones espaciales de ciencia ficción según narre la historia, así como colocar a los personajes adecuadamente en estos entornos. Y todo ello tendrás que hacerlo en un plazo de tiempo determinado. Las aplicaciones de dibujo como Adobe Fresco y Adobe Photoshop Sketch tienen una función de cuadrícula de perspectiva que te permite agregar perspectiva de dos puntos o cuadrículas gráficas a un archivo a medida que ilustras; una manera excelente para ayudarte a dominar el dibujo con perspectiva. “Emplea fotografías e imágenes como referencia”, sugiere el artista Jen Bartel. “Al trabajar en los cómics, los artistas trazarán partes de los fondos, cualquier cosa que nos ayude a acelerar el proceso”.

Observa una cuadrícula de perspectiva en acción.

Mira cómo el artista Kyle T. Webster activa y emplea una cuadrícula de perspectiva para dibujar un robot.

La narración tiene una gran importancia.

Las historias avanzan en los cómics a través de una herramienta de narración llamada “viñetas”. Las viñetas son los cuadrados que contienen un momento de cada escena. Incluso el cómic más sencillo de tres viñetas muestra una progresión narrativa visual de la primera a la última imagen. En animación, cada ilustración se emplea para mostrar el movimiento de un segundo a otro. La primera vez que te sientes a dibujar viñetas de cómic consecutivas, te darás cuenta de que una gran elección creativa es la cantidad de cosas que puedes hacer que ocurran entre dos viñetas sin confundir al público. Los lectores no necesitan ver a dos personajes durante todo el proceso de pedir la comida y llegar hasta la mesa para entender que hubo una progresión, pero puede resultar confuso que unos personajes viajen de la Tierra a la Luna en dos viñetas.

“Lo que hace que un artista de cómics destaque sobre otro es la habilidad para contar una historia fácilmente”.

“Lo que hace que un artista de cómics destaque sobre otro —incluso si ese artista es un ilustrador excepcional— es la habilidad para contar una historia fácilmente”, explica el antiguo editor de Marvel Comics y fundador de la escuela online Comics Experience, Andy Schmidt. La capacidad de la narración artística puede observarse en cómo el artista dispone las viñetas en una página y en cómo dibuja los giros de la historia en ellas. Los creadores de cómics emplean dibujos simples al estilo de guiones gráficos conocidos como “layouts” al principio del proceso para que pueda perfeccionarse la narración antes de que se rendericen por completo los fondos o las figuras. Una vez la narración esté pulida en esta fase, el artista convierte los bocetos en una página llena de viñetas ilustradas.

Decidir qué ilustraciones van en cada viñeta es una elección importante. Las elecciones correctas permitirán transmitir qué relaciones existen entre las múltiples figuras, incluso si el artista cambia el ángulo desde el que las vemos a lo largo de la escena. El estudio de los cómics de profesionales de la talla de Frank Miller, Walt Simonson, Marie Severin y Stan Sakai puede ofrecer una información valiosa sobre lo que funciona. Asimismo, la mítica guía de referencia 22 Panels that Always Work (22 viñetas que siempre funcionan) de Wally Wood es muy útil para cualquier artista de cómics en ciernes.

Adéntrate en el sector del cómic.

Ya que cada vez que sale una nueva película de Los Vengadores bate récords en boletería y que cada vez más se adaptan novelas gráficas para la televisión, hacerte un hueco en esta profesión se volvió aún más competitivo. Hacerte un hueco en cualquier campo requiere esfuerzo y perseverancia: puede llevarte años conseguir un puesto pequeño en una gran editorial y posiblemente una década más hasta que te contraten para dibujar un icono como Wonder Woman. Quizás tu primer cómic sea una historia breve autopublicada, pero cada página que hagas cuenta para tu currículum. Aquí tienes algunos detalles que debes tener en cuenta.

1. Presencia online: para que te contraten o entres en contacto con un colaborador creativo, tu trabajo debe ser visible. Elabora un portafolio online que recoja tus mejores trabajos y demuestre el estilo de cómic en el que quieres trabajar. Puedes crear perfiles en redes sociales y únete a comunidades como Behance para que puedas mostrar tus trabajos en mayor medida.

2. Contactos: a pesar de que los artistas de cómics que viven en Nueva York tienen un beneficio al tener la sede de DC Comics y Marvel allí, las redes sociales, el email y un creciente circuito de convenciones de cómics ofrecen oportunidades a los artistas de otras partes. Si no puedes permitirte viajar para hacer contactos, hacerlo por Internet puede ser muy eficaz, especialmente porque muchos de los artistas de cómics son autónomos, y los editores y publicadores establecen muchas relaciones profesionales de forma online.

3. Revisiones del portafolio: en algunas convenciones, los publicadores ofrecerán revisiones del portafolio para los artistas. Antes de que aplicar esta oportunidad, muestra tu portafolio a artistas profesionales y pídeles su opinión para mejorar tu trabajo. Las revisiones de portafolio son una excelente forma de recibir críticas constructivas y establecer relaciones con editores, pero tienes que cerciorarte de que resolviste cualquier problema anteriormente. “Debes tener un portafolio con varias páginas de arte secuencial —páginas narrativas— que demuestren que eres capaz de contar una historia”, dice Schmidt. “Está bien presentar el guion junto con la página de ilustraciones para que la persona que evalúa tu portafolio pueda ver que plasmaste la historia”.

4. Autopublicaciones: se recomienda a los artistas que intentan hacerse un hueco en la profesión que dibujen cómics a modo de currículum para conseguir más trabajo. Ver una historia completa es la mejor forma en la que un editor puede juzgar tus habilidades. Puedes crear un cómic digital o en un sitio web tú solo o puedes colaborar con un escritor para contar una historia. Gracias a la microfinanciación colectiva, estos esfuerzos pueden incluso hacerte ganar dinero. La revolución de la microfinanciación colectiva dio lugar a muchas antologías de cómics autopublicadas, que es otro de los caminos que puedes seguir para dar a conocer tu trabajo y que sea publicado.

Obtén más información sobre empleos en el sector de los cómics con las experiencias de Gene Luen Yang y Nicola Scott en la publicación de cómics.

Otros trabajos artísticos en el mundo de los cómics.

Más allá de la narración secuencial de las páginas de cada cómic o novela gráfica, hay otras carreras artísticas a las que te puedes dedicar en el campo.

Diseñador de portadas: el sector del cómic podría ser el único en el que aquello de “no juzgues el libro por su portada” no funciona. Un arte atractivo es de vital importancia para que un libro destaque en una estantería llena de cómics nuevos. La composición es clave en estas imágenes, por lo que estudia cómo crear imágenes atractivas con un punto focal claro. “Sabía que quería ser diseñador de portadas de cómics, así que seguí mi instinto para crear ilustraciones que parecieran portadas”, cuenta Bartel.

Entintador: en la publicación tradicional de cómics, un artista llamado “dibujante a lápiz” diseñaba las páginas que contaban la historia y después le pasaba el trabajo a un entintador para acabarlas. Entintar por encima del trazo del lápiz de los artistas profesionales puede ser un ejercicio de formación fenomenal para entender cómo el estado de ánimo y el tono pueden cambiarse durante el proceso de entintado.

Colorista: especialistas en aportar vitalidad o emotividad a la página, los coloristas reciben las ilustraciones del cómic en blanco y negro, dan color a cada página y en ocasiones a la portada también. Esencial para definir la atmósfera de cada proyecto, un buen colorista puede potenciar el trabajo de un artista de cómics. Por eso, los coloristas con más talento siempre están muy demandados.

Letrista: responsables de rellenar los icónicos bocadillos popularizados por el género, los letristas son expertos en tipografía y el dibujo de letras a mano que definen un estilo para cada proyecto con las fuentes que crean. Los letristas también agregan efectos de sonido a los cómics: desde el tradicional “SNIKT” de Lobezno hasta cada “THUD” y “THWAP”.

Diseñador: cada cómic o novela gráfica requiere elementos de diseño gráfico tanto en la portada como en las páginas interiores, desde la posición del logo hasta una elegante página de créditos. El arte de los cómics tiene que impactar y son los diseñadores de cómics los que lo hacen posible.

En un mundo con un arte tan variado como su panteón de héroes, cualquier estilo tiene cabida en los cómics. Trabajar en mejorar tus habilidades en anatomía, perspectiva y narrativa visual te ayudará a saber dónde encaja tu estilo artístico.