Réussir un headshot et une photo de portrait

Les photos et les portraits professionnels sont une bonne façon de se présenter. Découvrez des conseils pour réussir des photos professionnelles à ajouter sur LinkedIn, dans des books d’acteurs, et bien plus encore.

Une belle photo pour faire une bonne première impression

Un portrait réussi vous dit à qui vous avez affaire. Contrairement aux passeports, aux permis de conduire ou aux photos d’identité qui montrent simplement à quoi ressemble une personne, les portraits doivent transmettre davantage, par exemple l’attitude, le caractère et la personnalité.

Pour réussir une bonne photo, le photographe doit savoir à qui il s’adresse et dans quel contexte l’image sera utilisée. Un portrait professionnel utilisé sur LinkedIn sera différent de celui d’un acteur ou d’un mannequin. Pour maîtriser ce domaine, vous devez également savoir comment photographier le visage et mettre en pratique des qualités humaines qui mettent vos sujets à l’aise et font ressortir leur personnalité.

Qu’est-ce qu’un portrait ?

Un portrait est aussi important qu’une poignée de main. Il doit faire le même effet que lorsque vous rencontrez quelqu’un, dans un contexte professionnel, pour la première fois. Il doit vous donner l’impression d’une présentation en personne qui complète le texte ou le contexte auquel elle est associée. Un portrait apporte une véritable dimension personnelle à un profil LinkedIn, bien plus qu’une liste d’expériences professionnelles, ou un simple récapitulatif de compétences et d’intérêts.

« Le portrait doit raconter une histoire. Sinon, il ne s’agit que d’une vision superficielle, qui ne parle pas, explique la rédactrice en chef et photographe portraitiste Grace Rivera, il doit dire quelque chose, entrer en résonance avec le lecteur, et évoquer une émotion. Pour elle, cette impression doit venir du sujet. Mais c’est au photographe de créer un contexte pour qu’elle se manifeste et prenne forme.

« Le portrait doit raconter une histoire. Sinon, il ne s’agit que d’une vision superficielle, qui ne parle pas. »

Compte tenu de la similitude des sujets et de l’accent mis sur la personnalité, tous les portraits ont beaucoup en commun, malgré les différences de types et d’utilisation. Souvent, les conseils et astuces techniques de l’un s’appliquent à l’autre. Cependant, G. Rivera s’empresse de constater que les portraits sont largement différenciés par leur utilisation finale. Chacun d’eux doit raconter sa propre histoire. Le photographe doit garder son utilisation finale à l’esprit pendant leur création.

« Si vous prenez une photo pour LinkedIn, explique G. Rivera, ce sera dans un état d’esprit complètement différent de celui d’un visuel publié dans un magazine. Si je me prépare pour créer une photo d’entreprise alors qu’il s’agit d’un éditorial pour un magazine, j’échouerai. Faites attention à la personne que vous photographiez, la raison du portrait et le contexte dans lequel l’image va vivre. Si vous prenez le temps de faire cet effort, le résultat sera d’autant plus positif. »

Comment éclairer les sujets pour réussir vos portraits

Créer un bon éclairage pour un portrait n’est pas facile. La technique conventionnelle recommande une lumière blanche et douce sur un fond blanc. Cependant, la lumière dure et la lumière douce peuvent toutes deux être efficaces pour les portraits, à condition d’être bien planifiées et contrôlées. « Cela dépend des choix que vous faites et du style que vous souhaitez obtenir, explique Heather Concannon, titulaire d’une Maîtrise universitaire en éclairage de studio, si vous voulez un effet plus dramatique, une lumière très contrastante, comme la lumière directe du soleil ou un gros projecteur, donnera à votre sujet une certaine apparence, une force qui peut être vraiment cool. »

Il est essentiel d’adapter l’éclairage à l’apparence et à la personnalité du sujet. « Lorsque vous faites des portraits, explique H. Concannon, vous faites intervenir votre sens de l’interprétation, et vous planifiez attentivement l’orientation de vos éclairages. Ensuite, adaptez votre travail en conséquence. »

H. Concannon reconnaît que, pour de nombreux photographes débutants, il est difficile de photographier quelqu’un dans une lumière crue, ou lorsqu’il est éclairé par-derrière. Il est possible d’utiliser une lumière crue ou un contre-jour, mais pour elle, vous devez avoir une certaine expérience pour être au niveau et vraiment tirer parti d’éclairages aussi impitoyables. Elle conseille aux photographes débutants de travailler à l’intérieur, d’utiliser des éclairages filtrés ou de profiter d’un temps nuageux.

« Le type d’éclairage le plus agréable pour un portrait est un ciel nuageux près d’une fenêtre, affirme-t-elle, les nuages filtrent le soleil. Par temps nuageux, n’importe quel endroit sera parfait pour vous. Mais si vous êtes à l’intérieur, placez-vous près d’une fenêtre où des nuages diffusent une lumière douce, ou là où un toit au-dessus de la fenêtre bloque un soleil super tranchant. Vous aurez ainsi une belle lumière, douce et uniforme pour votre sujet. »

Travailler à l’extérieur peut souvent donner d’excellents résultats, mais avec toutes les variables potentielles qui l’accompagnent, vous risquez toujours des problèmes imprévus. « Si le soleil brille pendant la journée, je place mes sujets à l’ombre, explique la photographe Sarah Aagesen, la lumière crée des ombres nettes sur les visages, qui peuvent être difficiles à corriger en post-production. »

Tout sur le visage humain

Un bon portraitiste prend en compte les variations et les contours du visage humain. « Vous faites la mise au point sur les yeux, le nez et le front de quelqu’un et essayez de vraiment capturer son essence, explique H. Concannon, ensuite, vous lissez automatiquement la peau. Vous lissez aussi l’arrière-plan et supprimez les éléments inutiles ou distrayants. »

Un bon portrait se concentre sur le sujet tout en atténuant ou même en floutant l’arrière-plan. Le plus important est de maîtriser l’apparence du sujet, et son regard sur l’objectif. Pour cela, il est préférable d’opter pour une faible profondeur de champ, grâce à une ouverture focale d’environ f/2,8 ou des valeurs d’ouverture plus basses.

Pour ce bel arrière-plan flou, une focale de 50 à 85 mm conviendra parfaitement, même si des distances focales plus importantes peuvent être utilisées pour obtenir un effet bokeh plus marqué.

Une distance focale de 50 mm simule la vision de l’œil humain. Cette approche naturaliste convient très bien pour créer des portraits, aussi simples ou ambitieux soient-ils. « Vous regardez dans votre viseur et vous voyez quelque chose qui n’est pas zoomé, ni dézoomé par rapport à ce que vous voyez à l’œil nu », ajoute H. Concannon.

La prise de vue avec une distance focale plus longue a cependant ses avantages. Une ouverture focale de 85 mm permet de donner plus d’espace au sujet. Si vous travaillez avec quelqu’un qui est nerveux à l’idée de se faire prendre en photo, cette distance supplémentaire pourrait faire toute la différence, l’aider à se détendre, et laisser parler son visage.

À l’inverse, le choix d’une longueur focale réduisant la distance entre le photographe et le sujet peut aussi contribuer à mettre votre sujet à l’aise.

« Lorsque je travaille au studio, je choisis une distance focale qui me permet d’interagir physiquement avec mes sujets, déclare la photographe et auteur à succès du New York Times, Carli Davidson, je préfère ne pas être trop loin du sujet. » Pour C. Davidson, la distance lui donne l’impression d’être coupée de son sujet, et cela l’empêche d’établir le rapport nécessaire pour obtenir la meilleure photo. « Je ne veux pas perdre cette interaction ludique, sérieuse ou triste », précise-t-elle.

Le portrait comme créateur de confiance

Les portraits sont très personnels. Le sujet doit se sentir à l’aise pour que le photographe puisse capturer son authenticité. Mais beaucoup de gens cessent d’être eux-mêmes dès qu’ils voient un appareil photo. Ils se crispent, fixent directement l’objectif ou disparaissent derrière un sourire artificiel. Le photographe doit arranger tout cela.

La confiance joue un rôle fondamental pour que votre sujet se détende et se sente à l’aise. « Même si vous n’êtes pas sûr de vous, faites au moins semblant d’avoir un minimum de confiance, explique G. Rivera, vous pourrez ainsi détendre l’atmosphère au début de la séance photo. Les choses pourront ensuite prendre une tournure plus naturelle. Bavardez avec votre sujet, apprenez à le connaître pendant que vous enchaînez les prises de vue. Progressivement, vous trouverez les moments où il se sent plus à l’aise. »

Entraînez-vous à reconnaître ces moments privilégiés pour les capturer. Telle est l’essence même de la réussite pour le portraitiste, que l’image soit destinée à un profil LinkedIn ou au dossier d’audition d’un acteur. Pendant la séance, votre rôle consiste à aider votre sujet à devenir plus naturel, plus authentique, qu’il soit lui-même, et fasse une bonne première impression.